수유시장 비단주머니 www.suyumarket.com

"금호미술관은 2004년부터 지금까지 금호영아티스트 공모 프로그램을 통하여 총95명의 젊은 작가를 선정하여 개인전을 지원해 오고 있다, '2024 금호영아티스트' 전시는 2023년 제21회 금호영아티스트 공모에서 선정된 작가 6명 각각의 개인전으로 구성된다. 1부 3.22`4.28에서는 작가 송수빈, 오제성, 최은빈의 개인전을, 2부5.10~6.16에서는 작가 강이경, 왕선정, 임선구의  개인전을 선보인다." - 미술관 안내글 발췌

최은빈  - 주제 : Island 

미술관에 들어서니 2가지의 설치미술이 있었다.

첫번째

큰 공간에 단하나 벽에 설치된 쌍안경모양의 구멍에 파란 빛만이..

그곳을 들여다 보니 내 뒷모습을 볼 수 있었다..

뒤를 돌아보니 저만치에 카메라가 있었다..

너 자신을 돌아보라 라는 의미인지....관음증은 너 자신을 보는 것이다 라는 의미인지..

두번째

음각으로 계단처럼 파인 곳에 기둥이 있고 기둥위에 조명과 추?가 대칭하여 설치되어있고 계속 돌고 있다.

조명빛으로 기둥이 만들어내는 그림자도 해시계처럼 계속 공간을 돌고돌고 있고, 중간에 영어로 몇마디를 하는데...

의미는 모르겠다.

바닥을 보니 그림자를 따라 돌면 다른 음성이 들린다라고 쓰어져 있어서 돌아보았더니

기존의 스피커에서 나오는 소리와 달리 작은 소리로 속삭이는 소리가 들린다..

천천히 돌던 그림자가 그리고 모퉁이에서는 그림자의 이동 속도가 빠르다..이는 과학..

무슨 뜻일까?? 나만의 내면의 소리를 들어라??

이쯤해서 해설문을 살펴보자..

최은빈 - 주제 : Island

"작가 최은빈은 개인의 경험, 기억, 감정과 같이 가공되지 않는 무형의 가치들을 영상, 설치, 사운드 등 여러 매체를 통해 공간을 재구성한다. 그의 작업은 일기, 독백, 대화처럼 일상에서 마주하는 찰나적 순간을 기록한 파편적언어에서 파생된다. 작가는 자신이 상상하는 언어의 본질적 형태를 빛, 진동 등의 비물질적 요소로 변환하고, 이는 관람객의 물리적 개입으로써 기하학적 공간 속에서 유기적으로 작동한다. 이번 전시에서는 실시간 영상작업과 초지향 스피커를 사용한 사운드 작업을 통해 관객의 시각적, 청각적 감각을 확장하고 눈에 보이지 않는 '실재함'의 재현 가능성에 대해 탐구한다." - 미술관 설명문 발췌

권혁규의 평 Island

"아무런 동기나 핑계 없이 다가오는 장면들이 있다. 우연히 발견한 사진 한 장, 뜻밖의 장소에서 마주한 풍경, 평범한 일상이 생경해지는 순간들처럼 가히 원시적이라 할 만큼 이유없이 내 안의 무언가와 연결되는 장면들이 있다. 뭐라 정의 내릴 수 없는 그 장면들은 어떤 이해나 설명없이 내부 깊숙한 곳으로 들어온다. 그렇게 회오리치는 감정과 깊은 사색, 심지어는 깨달음(의 착각)을 만들어 낸다. 그것은 일종의 침입이기도 혹은 즉각적 동요이기도 하다. 그럼에도 그 장면들은 공격과 부정성의 범주에서 작동하지 않는다. 오히려 삶의 일부를, 어떤 기원을 운명적으로 마주하는 것처럼 외부를 향한 불신을 해소하고 또 해명한다.

최인빈 개인전 "Island"는 앞서 언급한 경험들을 떠올린다. 한적한 바닷가 백사장에서 한참동안 쳐다본 - 백사장에 꼽힌 쇠기둥에 묶여 바람에 휘날리는 밧줄 매듭 - 장면과 유난히 추웠던 겨울날 밤의 기억 - 가로등 그림자와 본인의 그림자가 포개지는 순간 - 등 여전히 내 안 어딘가에 남아있는, 현재의 또 다른 순간들과 연동되는 장면들을 조심스럽게 불러낸다. 당시 나의 자화상 같은 특정시기의 정서와 기억 어쩌면 너무나도 사적인 지각의 흔적이 뿌리없이 떠 있는 부표처럼 망망대해의 작은 섬으로 나타난다.

이 순간들은 전시에서 맥락이 적당히 소거된 스냅사진처럼 혹은 연극의 한 장면처럼 가설된다.....즉, 전시는 관념이 아닌 현존으로 제시되며 분명한 현실 속 초현실적이었던 장면들처럼 선입견없이 실시간으로 분명하게 지각되기를 시도한다. 너와나 이곳과 저곳의 섬 사이에서 튀어 오르는 본능적인 흡수를 의도한다.

"Island"는 크게  "Stand - in"과 "Stand in - "의 두 작업으로 나뉘어 구성된다.

먼저보게될 "Stand-in"에서 관객이 마주하는 건 빈 공간 뿐이다.

전시장에 들어선 관객은 볼 게 없는 전시의 기대와 실망을 조금 다른 서스펜스로 이동시켜서 멀리 맞은편 벽에 뚫린 구멍에서 새어나오는 파란빛을 따라 몸을 이동하게 된다. 그렇게 구멍 안을 들여다본 관객은 파란배경속에 존재하는 역시나 파란 자신의 뒷모습을 발견햐요, 시각성을 부정하는 공간에서 본인의 뒷모습을 보게되는 패러독스를 경험한다.

파란 화면은 얼핏 가상과 모방, 혹은 눈속임의 블루스크린을 떠올리게하지만 실제 작업은 보다 근본적인 시각성의 탈주와 진전을 의도하는 듯 보인다. 그것은 무조건적인 보기와 포착하기, 또 일방적인 이해로부터 벗어나 불가피하게 일어나는 것들을 끌어안고 감각하는 어떤 유예의 긴장을 만들어낸다.

이어진 공간의 "Stand in -"에서 유예의 긴장은 반복되고 환원되는 미지의 그림자로 연결되는 듯하다. 전시장 가운데는 기둥이 세워지고 그에 붙은 조명과 스피커는 방향성을 갖지만 이동한다 말할 수 없는 내부적이고, 한정적인 빛과 사운드를 만들어 낸다. 또 여기서 들려오는 문맥을 파악할 수 없는 단어들은 어떤 배치를 조직하고 다시 흩뜨려 놓는다.

이 반복적 변동과 포개짐 그리고 어긋남은 "Stand - in"의 파란 배경속 파란 뒷모습과 함께 그림(자) 속 그림(자) 극중극처럼 상봉하기 어려운 두개의 상황을 콜라주해내며 이중 이미지를 배가시킨다. 제목의 표기가 비슷한 두 작업은 그렇게 분리와 구분이 아닌 그 자체로 관계 맺기혹은 극대화하기를 도모하며 공동의 정서를 엮어내는데 집중한다.

최은빈은 이전 작업에서도 줄곧 육체의 눈으로 장면이나 대상을 지각하게 했다. 작가의 작업은 분명 특정 대상/장면의 관찰과 관조, 사고의 과정을 관통한다. 그것은 무언가를 경유하고 또 모방한다. 하지만 실체 전시에는 그 과정은 장면의 외형적 복제가 아닌 정서적 중용의 회복으로 이어진다. 다시 말해 실제 전시는 본 감각을 내재한 낯섦으로 다가오길 시도한다. 작가는 선험적 추론이 아닌 실제 공간에서 감각하고 경험하는 과정을 전시의 중심에 위치시킨다. 그것은 얼핏 전시의 시각성을 부정하는 듯 보이지만 사실은  그 무엇보다 현존으로서의 전시를 강조한다. 그때 그곳에서 자연스럽게 하지만 분명하게 경험되는 세계 그리고 그로부터 파생되는 감각과 사고는 이 텍스트를 포함한 여타의 이미지나 자료가 아닌 오직 전시에서만 가능해진다.

"Island"는 작가 스스로에게는 물론 관객에게도 동일한 경험과 창작을 요구하는 듯하다.

작가가 경험한 정서를 응고해 넣으면 관객은 그것을 감각하고 용해해 자신의 경험으로 치환한다. 어느 한쪽이라도 무너진다면 전시는 온전히 성립하지 못한다......"꿈꾸는 자는 자신이 꿈꾸는 것을 모르지만, 영화관객은 자신이 영화관에 있다는 사실을 안다". 전시의 관객들은 분명 자신의 감각과 경험이 모방과 의도에서 파생된 것을 알고 있다. 하지만 흉내 내는데 그치지 않는 것은 작가뿐 아니라 관객도 마찬가지이다. 관객이 모방하는 것은 장면이 아닌 정서와 감정이다. 그것은 작가가 작업을 시작한 동기와 비슷한 것일지라도 그렇게 된다면 전시는 궁극적으로 특정한 정서를 공유하는 'Island"를 형성할지도 모른다. 저 아득한 "Stand- in" 과 "Stand in -"의 모래시장에서 관객은 어떤 발자국을 남기게 될까. 그들은 자신의 발자국을 인지할 수 있을까. 전시에서 그들은 꿈꾸는 자와 달리 주체적으로 자신의 경험을 창작하고 운영할 수도 그렇게 자신만의 장면을 가져갈 수도 있지 않을까."

"금호미술관은 2004년부터 지금까지 금호영아티스트 공모 프로그램을 통하여 총95명의 젊은 작가를 선정하여 개인전을 지원해 오고 있다, '2024 금호영아티스트' 전시는 2023년 제21회 금호영아티스트 공모에서 선정된 작가 6명 각각의 개인전으로 구성된다. 1부 3.22`4.28에서는 작가 송수빈, 오제성, 최은빈의 개인전을, 2부5.10~6.16에서는 작가 강이경, 왕선정, 임선구의  개인전을 선보인다." - 미술관 안내글 발췌

전시장에 들어섰을때 눈앞에 펼쳐지는  두그룹의 조각군상의 무리들..

머리에는 하나같이 어떤  큰 조각들을 지고 어딘가를 향하여 전진하고있는 모습

먼저 녹색의 3명 + 아이1명의 군상은

머리위에 고대의 신전에서 볼 만한 조각난 큰 조각을 이고

그 군상들의 한 손에는  긴 나무판위에도 작은 군상의 조각을 들고 가고 있다.

자세히 보니 3명의 군상 사이에 한 아이도 양손에 조각을 들고 가고 있다.

두번째 흰색의  4명의 군상은 

맨 앞에 여성, 그 뒤에는 가녀린 여성? 그 뒤는 미완성의 여성?

역시 머리위에 탑모양의 조각을 이고 어딘가로 가고 있다.

"현재 젊은 자신들과 작품은 과거의 선조들과 작품에서부터 이어져왔고,  후대의 자녀세대들에게도 이어져.. " 라는 의미를 담은 듯한 조각 작품인 것처럼 느껴진다.

곱게 다듬어지지않은 우람한 조각들의 물성은 석고같기도,  흔히 보는 우레탄폼 같기도 하고

또 어떤 작품은 투명프라스틱과도 같다..

투박한 군상들의 조각이지만  근육질에는 힘이 넘쳐난다.. 

이쯤해서 미술관의 설명을 살펴보니...

제목 : Ghost Protocol

"작가 오제성은 한국의 전통적인 감각이 현대에 기대 생존할 수 있는 방법에 질문하면서 전국 각지의 비지정문화재를 중심으로 조형적인 연구를 전개하고 있다. 이번 전시에는 작가는 고전 재래조각부터 근대기 조각까지 내려져 온 조각적 규범과 규약을 실기적 차원에서 연구하고 현대의 기술로 재해석하여 새로운 조각의 형태를 보여준다.

그는 3D 스캔과 프린트를 활용하여 서로 다른 양식의 조각들을 형태적으로 결합하고 과거에는 존재하지 않았을 산업재료로 작업을 구현한다. 이처럼 선대 조각가들의 이질적인 작업양식을 동시대적으로 연결함으로써 전통과 현대이 공존을 모색한다" - 미술관 안내글 발췌 

김이순(미술사가)의 평

경계의 해체, 조각의 재구성 : '오제성의 은밀한 작전 Ghost Protocol'

"오제성의 'Ghost Protocol' 은 너무다양해서 혼란스러워 보이기조차 한다. 무엇하나 '단일성' 이라는 단어로 설명할 수 있는 것이 없어 보인다. 작품 속에 등장하는 형상들 대부분은 작가가 새롭게 만들기보다 서로 다른 시기에 다른 지역에서 제작된 조각품들에서 차용된 이미지이다. 차용의 방식도 다양하다. 작가가 원본을 보고 직접 손으로 제작한 경우도 있고, 3D로 스캔해서 3D 프린터로 출력한 것도 있다. 사용한 재료역시 조각의 가장 원초적인 재료인 흙을 비롯하여 스테인레스 스틸, 스티로폼, 발포우레탄, 방수페인트 등의 건축용 신소재까지 다양하다. 

이렇듯 전통 조각가들이 추구한 조형적 아름다움이나 순수성내지는 단일성과는 거리가 멀어 보이는, 오제성의 생경하고 복잡한 구조의 작품에서 우리는 무엇을 읽을 수 있을까?

이번 프로젝트는 크게 두 파트로 구성되어있다. 그중 한 파트는 한국 조각품에서 차용한 형상들로 이루어져 있다. 제작자를 알 수 없는 옥계리석불, 김복진의 대표작인 김제 금산사 미륵대불, 작가의 아버지 오상욱 조각가의 인체상들이 다양한 재료와 방법으로 소환되어있다...시대와 크기가 다른 불상을 병치해 놓으므로 한국 조각의 흐름에서 다른 층위에 있는 두 작품을 직접 연결함으로써 상이한 조각적 규범과 형태를 실기적 차원에서 탐구하려는 것이다.

이러한 탐색은 현대조각으로 확장된다. 세명의 인물이 팀으로 이뤄서 머리에 뭔가를 이고 줄지어 걸어가는 장면이 두가지로 표현되어 있는데, 이러한 이미지는 오상욱의 청동작품<억압에 대한기억>을 차용한 것으로 보인다. 다만 오상욱의 작품에는 인물들은 거대한  직육면체 덩어리를 머리에 이고 힘겹게 걷는 모습인데 반해 오제성의 작품에서는 젊은이들이 고개를 들고 당차게 전진하고 있다. 두 팀 중에서 한 팀은 김복진의 미륵대불을 3D로 스캔한 데이터를 이용해, 두상의 일부만을 원본 크기로 출력한 조각상을 머리에 이고 있다. 이 근대문화유산을 머리에 인 젊은이들은 손에 세라믹 조각상들을 들고 이있는데, 이 세라믹 조각상들은 오상욱의 작품들을 보고 작가가 직접 손으로 축소 모형으로 만든 것이다.

다른 한 팀에 등장하는 세 명의 인물 역시 오상욱이 작품을 차용한 것이다. 맨 뒤의 인물은 스티로폼으로 제작한 다음 표면에 방수페인트를 발랐으며, 그 앞의 인물상들은 오상욱의 인물상을 차용하여 스티로폼으로 제작한 다음 표면에 실런트 같은 현대적 재료를 덧발라 완성했다. 머리에 인 조형물은 이 작품을 제작하는데 사용한 온갖 건축용 재료의 포장재로 제작되었다. 즉 쓰레기를 재활용한 것인데, 이는 현대적인 재료와 기법을 통해 '알맹이'와 '껍데기'의 경계를 해체하며 이 시대의 에피스테메를 보여주려는 것으로 볼 수 있다.

이번 프로젝트에서 오제성은 민간인의 삶과 욕구에 부응하는 석조불상을 제작한 무명의 석공, 근대라는 시기에 호응하는 사실적 인체에 가까운 불상조각을 제작한 김복진, 사실적인 인체를 넘어 표현적인 청동 인체조각 작품을 제작한 아버지 오상욱, 그리고 서양 현대조각의 시조로 평가받는 로댕의 조각적 규범 내지는 규율을 자유롭게 차용, 복제, 전유하여 한 자리에 불러 모았다. 그 뿐아니라 전통적인 조각 재료인 흙을 비롯해 스테인리스 스틸, P.L.A, 스치로폼, 발포우레탄, 우드필러(퍼티), 실런트, 방수포 등 현대 건축에서 사용하는 신소재를 다양하게 사용했으며,  기법역시 소조기법외에 아상블라조, P.L.A 코일방식의 3D 프린팅 등을 자유롭게 넘나든다. 이토록 다양한 소재, 재료, 기법을 하나의 작품으로 통합함으로써 작가는 무엇을 의도한 것일까??

'Ghost Protocol' 이라는 명제하에 전통과 근대, 근대와 현대, 주류와 비주류, 서양과 동양, 안과 밖, 알맹이와 껍데기, 중심과 주변, 정통과 비전통, 물질과 정신, 기성과 전위, 미술과 비미술 등등의 이분법적 구분을 해체한다. 나아가 이러한 이항 대립적인 요소들을 현대적 기술과 재료롤 결합하여 하나의 통합체를 형성함으로써 포스트 모던 사회의 탈경계적 영토를 모색하고 있다" 

작가의 의도와 생각이 그런 작품들을 만들었군요!!  평을 읽어보니 작품이 보인다..